Como ya adelanté al hablar de Troll, esta cutre-secuela no guarda ninguna relación con la primera, más allá del uso del nombre. Pero no estamos ante una falsa secuela tan típicamente italiana como los bochornosos Shocking Dark de Bruno Mattei (falsa secuela de Terminator), Alien sulla terra (Alien 2 siete años antes de Aliens) o aquel plagio de Tiburón y Tiburón 2 que fue Tiburón 3 “Castellari Edition”. Porque, pensadlo durante un momento: ¿Qué sentido tendría hacer una falsa secuela de Troll? ¿Aprovechar el tirón comercial que no tuvo la primera? No. Yo me imagino que lo que pasó es que cuando quebró Empire International Pictures (no confundir con Empires Pictures) los derechos de sus pelis debieron quedar en un limbo legal y en Filmirage, una cutre productora italiana creadora de truños como Metamorphosis de George Eastman que aquí en España nos colaron como Re-Animator 2, alguien dijo: «¿Troll 2? ¿Por qué no?». Y se armó el belén.
Torok el troll (1986) Tít. orig.: Troll Dir.: John Carl Buechler Int.: Michael Moriarty, Shelley Hack, Noah Hathaway, Jenny Beck, Phil Fondacaro, Sonny Bono Dur.: 82 min.
No sé ni por dónde empezar. Es tal la emoción que me embarga al hablar de esta película y el imaginar el post sobre su falsa cutre-secuela que me tiemblan las manos y todo. Garantizo risas, y si no, os devuelvo el dinero.
Troll, también conocida en España como Torok el troll, nació bajo el sello de la Empire International Pictures, mítica productora creada por Charles Band que atesoró títulos no menos míticos como Re-Animator o Ghoulies. Pero esto ni es Re-Animator ni se le acerca, amigos.
Solomon Kane (2009) Dir.: Michael J. Bassett Gui.: Michael J. Bassett Int.: James Purefoy, Max von Sydow, Pete Postlethwaite, Rachel Hard-Wood Dur.: 104 min.
Hace unas semanas vi esta película de Michael J. Bassett con muchas ganas y me resultó absolutamente insustancial. Ya no es que me gustara o no lo que han hecho con el personaje de Solomon Kane, es que me dio igual, y cuando una peli me deja tan indiferente procuro olvidarla de inmediato, pero el caso es que me dio por echar un vistazo por internet y descubrí, para mi estupor, que hay un montón de opiniones de gente que afirma que no está tan mal, que es entretenida o incluso algunos que la consideran una obra maestra. Y ante esto lo único que se me ocurre decir es: «¡Me quedo muerta, tía!».
Hoy os traigo una selección de mis pósters favoritos. Son muchas imágenes y tienen formato grande, así que es posible que os tarde un poco en cargar. Si el formato de las imágenes es demasiado grande para vuestro monitor, pinchando en ellas se ajustan automáticamente. Espero que os gusten tanto como a mí.
Femina Ridens (1969), aka The frightened woman, aka The laughing woman. Dir.: Piero Schivazappa Gui.: Paolo Levi, Giuseppe Zaccariello, Piero Schivazappa Int.: Philippe Leroy, Dagmar Lassander, Maria Cumani Quasimodo Dur.: 108 min.
Hace unos días me compré un pack de tres películas editado por Shameless que incluía Venus in furs (aka Le malizie di venere) de Massimo Dallamano, Baba Yaga de Corrado Farina y Femina Ridens (aka The frightened woman, aka The laughing woman) de Piero Schivazappa. En principio la que más me interesaba del pack era Baba Yaga, pero como suele pasar con estas cosas, las otras dos me han gustado más. Especialmente la que quiero comentar hoy: Femina Ridens.
Hoy recordamos una de las sagas más queridas por cinéfilos, cinéfagos y otras gentes de mal vivir: Jungla de cristal.
Jungla de cristal (Die Hard, 1988)
En 1966, Roderick Thorpe publicó la novela The detective, que tan sólo 2 años después fue llevada al cine con Frank Sinatra como protagonista. Varios años después, con el auge del cine de catástrofes que se vivió en los 70, Thorpe decidió escribir una secuela de The detective inspirada en El coloso en llamas (The towering inferno, John Guillermin, 1974) y que tituló Nothing last forever, en la que unos terroristas tomaban un edificio en una fiesta de Navidad.
Jeb Stuart y Steven E. de Souza tomaron la novela de Thorpe y la adaptaron para crear una secuela de Commando en la que Schwarzenegger volvería a interpretar el papel de John Matrix. Matrix iría a ver a su hija a la fiesta de Navidad y se encontraría con la sorpresa de los terroristas. Pero el Chuache rechazó el guion y tocó hacer una rescritura para crear una historia independiente más similar a la de la novela y buscar un nuevo actor. El papel fue ofrecido a un montón de actores, entre ellos Sylvester Stallone, Burt Reynols y Richard Gere, antes de que se lo dieran a Bruce Willis.
Seguimos con este repaso a Superman cuya primera parte podéis leer aquí.
Superman III (Richard Lester, 1983)
Me encanta esta película. Sé que la gente la odia por eso de que es una mierda y tal, pero eso es porque no la entienden. Superman III es fácilmente la mejor comedia de los 80, es el súmmum del cine casposo, es lo que pasa cuando dejas que Richard Lester se ocupe de todo.
Lo más grande de esta memorable película es que pretenden hacernos creer que reprogramando un satélite meteorológico se puede controlar el clima. Demencial. No, esperad, más grande que eso es que esta reprogramación la haga Richard Pryor tras asistir a un cursillo de informática en el que ni siquiera le regalan una guitarra. No, esperad, aún más grande que eso es que Pryor creará una Kryptonita sintética tan cutre que en vez de matar a Superman sacará su versión mala a la luz. Exacto, esto es lo más grande.
Como sabes, me gustan todos los comics, especialmente los de los superhéroes. Encuentro que toda la mitología que rodea a los superhéroes es fascinante. Piensa en mi héroe favorito: Superman. No tiene un gran argumento, ni tampoco es un buen dibujo. Pero la mitología… su mitología no sólo es genial, es única. [...] Verás, algo básico en la mitología de los comics es que cada superhéroe tiene su álter ego. Batman no es otro que Bruce Wayne; Spiderman se llama Peter Parker. Cuando el personaje se despierta por las mañanas, sólo es Peter Parker. Tiene que ponerse un disfraz para convertirse en Spiderman. Y esa es la característica que hace de Superman algo único. Superman no se convirtió en Superman, sino que nació como Superman. Cuando se despierta cada mañana es Superman. Su álter ego es Clark Kent. Y su traje, el que lleva esa enorme S, es la prenda en la que estaba envuelto cuando lo encontraron los Kent siendo un bebé. Esa es su ropa. Lo demás, las gafas, el traje de negocios, es su disfraz. Es un disfraz que Superman se pone para ser uno más de nosotros. Clark Kent es su visión de nosotros. ¿Y cuáles son las características de Clark Kent? Es débil… no confía en sí mismo… es un cobarde. Clark Kent es la crítica de Superman a toda la raza humana.
Vida y muerte del coronel Blimp (1943) Tít. orig.: Life and death of Colonel Blimp Dir.: Michael Powell y Emeric Pressburger Gui.: Michael Powell y Emeric Pressburger Int.: Roger Livesey, Deborah Kerr, Anton Walbrook Dur.: 163 min.
En 1943, con Europa asolada por la guerra y el avance del nazismo, Michael Powell y Emeric Pressburger estrenaron Vida y muerte del coronel Blimp, una película que recibió durísimas críticas porque buena parte del argumento se centra en la amistad entre un oficial inglés y otro alemán. Y para colmo de males, el alemán es un tipo agradable, profundamente antinazi y en algunos aspectos, más sensato que su colega inglés. Como imaginareis, no es la idea que se proyectaba en Inglaterra de los alemanes, y Winston Churchill, que tenía una idea más propagandística sobre lo que debía ser el cine en aquellos años, saboteó la película todo lo que pudo. Pero a pesar de sus esfuerzos, la película se estrenó para que los críticos pudieran despedazarla.
Maniac (1980) Tít. orig.: Maniac Dir.: William Lustig Gui.: Joe Spinell, C.A. Rosenberg Int.: Joe Spinell, Caroline Munro, Tom Savini, Abigail Clayton, Kelly Piper Dur.: 87 min.
Siguiendo los pasos que habían marcado películas como Black Christmas(Bob Clark, 1974) o Halloween (John Carpenter, 1978), en 1980 se estrenó Viernes 13 (Friday the 13th, Sean S. Cunningham), que se convirtió en un éxito inmediato, dando así el pistoletazo de salida a la fiebre del slasher que unos años después acabaría saturando el mercado.
Pero ese mismo año, vio la luz una película que era diferente a todas estas: Maniac, de William Lustig. Y es diferente básicamente porque desde el primer momento sabemos quién es el asesino, ya que lo importante no es descubrir su identidad sino acompañar a Frank Zito en un sórdido viaje que nos llevará a descubrir por qué alguien se levanta cada día para asesinar mujeres, cortarles las cabelleras y colocárselas a unos macabros maniquíes. Es decir, no se trata de explotar ni glorificar la figura del asesino, sino de ver el día a día de una mente enferma, de ver el mundo a través de los ojos de un psicópata.
Juego con la muerte (1978) Tít. orig.: Game of death Dir.: Robert Clouse Gui.: Robert Clouse (como Jan Spears) Int.: Bruce Lee, Collen Camp, Hugh O'Brian, Yuen Biao, Kim Tai Jung Dur.: 85 min.
Como recordareis, nos habíamos quedado en el estreno de Operación Dragón tras la muerte de Bruce Lee, pero que Bruce Lee estuviera muerto no tenía por qué ser un impedimento a que siguiera haciendo películas. O al menos esa es la conclusión a la que llegó Raymond Chow.
Operación dragón (1973) Tít. orig.: Enter the dragon Dir.: Robert Clouse Gui.: Michael Allin Int.: Bruce Lee, John Saxon, Jim Kelly, Ahna Capri, Shih Kien, Robert Wall, Bolo Yeung Dur.: 98 min.
Por fin hemos llegado al momento que muchos esperabais con ansia: hoy voy a hablar de Operación Dragón, la película que convirtió a Bruce Lee en una estrella mundial y que, además, mola un puñao.
Pero antes, recordemos dónde estábamos. Nos habíamos quedado en el estreno de El furor del dragón y el posterior éxito de la película en Asia como ya venía siendo habitual.
El furor del dragón (1972) Tít. orig.: Meng long guo jiang Dir.: Bruce Lee Gui.: Bruce Lee Int.: Bruce Lee, Nora Miao, Chuck Norris, Robert Wall, Ping-Ao Wei, Tony Liu, Unicorn Chang Dur.: 100 min.
Después de más de un mes sin pasarme por el blog, retomo este monográfico de Bruce Lee donde lo dejé, o sea, con Bruce Lee convertido en la más grande estrella del cine asiático tras el estreno y, una vez más, éxito de taquilla, de Furia oriental.
Tras la finalización de Furia oriental, Bruce quedó liberado del contrato que le unía a la Golden Harvest, así que era momento de pararse, analizar las opciones y tomar una decisión.
Furia Oriental (1972) Tít. orig.: Jing Wu Men Dir.: Lo Wei Gui.: Lo Wei Int.: Bruce Lee, Nora Miao, Maria Yi, James Tien, Tony Liu, Ping-Ao Wei, Quin Li, Robert Baker Dur.: 108 min.
Como ya comenté en el anterior post, Bruce Lee había firmado un contrato para hacer dos películas con Raymond Chow, así que, antes incluso de que Karate a muerte en Bangkok se estrenase en Hong Kong, se pusieron a trabajar en su segundo proyecto juntos: Furia Oriental.
Karate a muerte en Bangkok (1971) Tít. orig.: Tang shan da xiong Dir.: Lo Wei, Wu Chia-hsiang Int.: Bruce Lee, Maria Yi, James Tien, Nora Miao, Han Ying-Chieh Dur.: 100 min.
En los próximos días voy a intentar comentar todas las películas de Bruce Lee en las que actuó de protagonista, cosa que me da un poco de miedo porque, a fin y al cabo, ya está todo dicho sobre el Pequeño dragón y por gente que sabe mucho más del tema que yo. Pero como tampoco quiero limitarme a dar mi opinión personal sobre sus películas, porque entonces me limitaría a decir que me gustan todas muchísimo, hasta Juego con la muerte, comentaré algunos aspectos sobre los rodajes y la producción de sus cinco grandes películas. Bueno…, cuatro y pico. Y cómo no, voy a empezar por el principio. Y el principio es Karate a muerte en Bangkok.
La escena que os traigo hoy es de la película Cazador blanco, corazón negro, que dirigió Clint Eastwood en 1990 basándose en la novela del mismo nombre que publicó Peter Viertel, quien trabajó en el guion de La reina de África y contaba en el libro su experiencia al lado de Huston, eso si, mezclando situaciones reales con otras inventadas.
Si la historia es realmente como la cuentan Peter Viertel, Katharine Hepburn y Clint Eastwood, y parece que sí, entonces no hay ninguna duda de que John Huston es un absoluto genio. En teoría, Huston quería ir a África de safari; rodar La reina de África era una excusa como cualquier otra. Sin embargo, por lo que cuentan estos tres también da la sensación de que Huston sí que tenía en su cabeza cómo iba a ser la película. Dice Katharine Hepburn en su libro sobre el rodaje The making of The African Queen or how I went to Africa with Bogart, Bacall and Huston and almost lost my mind, que intentaba hablar continuamente con Huston sobre el guion para transmitirle sus dudas sobre el mismo y a este sólo le importaba irse de caza. También vemos en la película cómo Huston le dice a Viertel (Wilson y Verrill en el film) que el guion ya está bien, que la primera norma del arte es la sencillez, porque realmente quiere irse a cazar y Viertel replica diciendo que el arte no tiene reglas. A lo mejor fue sólo suerte, a lo mejor fue talento, pero La reina de África me parece una gran película.
Clint Eastwood eligió la novela de Viertel en parte porque es un gran admirador de Huston, así que una de las primeras cosas de las que se encargó fue de suavizar el personaje, que no pareciera en pantalla que Huston era tan despreciable y desagradable como escribe Viertel. En el libro de Katharine Hepburn, más que desagradable parece un tipo raro o maniático, pero en una cosa coinciden ambos: era un egocéntrico.
—O estás loco o eres el hijo de puta más egoísta e irresponsable que he conocido jamás. Tu inconsciencia echará a perder la película. ¿Y para qué? Para cometer un crimen. Para matar a una de las criaturas más raras y nobles que vagan por este miserable planeta. Y con tal de cometer ese crimen, estás dispuesto a olvidarlo todo y dejar que el proyecto se malogre.
—Te equivocas, chico. Matar a un elefante no es un delito. Es mucho más que eso. Es un pecado matar a un elefante. ¿Entendido? Es un pecado. Es el único pecado que puedes cometer comprando una licencia. Por eso quiero hacerlo más que ninguna otra cosa. ¿Me comprendes? Por supuesto que no. Es imposible. No me comprendo ni yo mismo.
Diálogo entre Verrill (Jeff Fahey) y Wilson (Eastwood) en la película.
Mucha gente opina que esta película es una obra menor de Eastwood; yo no pienso así. Creo que refleja muy bien el carácter de Huston en escenas como la que os pongo, creo que Eastwood en algunos momentos se ríe de sí mismo y creo que tiene un final extraordinario. Una película llena de belleza y de sabiduría, que fue un fracaso en su momento y que esconde una historia apasionante sobre un tipo que se fue a África de safari y de paso rodó una obra maestra, para disimular.
Ser o no ser (1942) Tít. orig.: To be or not to be Dir.: Ernst Lubitsch Gui.: Edwin Justus Mayer, Melchior Lengyel, Ernst Lubitsch Int.: Jack Benny, Carole Lombard, Robert Stack, Felix Bressart, Stanley Ridges Dur.: 99 min.
Creo que, en general, Ser o no ser es una película que gusta mucho, pero lo cierto es que cuando llegó a los cines americanos el 6 de marzo de 1942, la película cosechó críticas muy negativas y tuvo una acogida bastante mala por parte del público. Hay que tener en cuenta que apenas habían pasado 3 meses desde que Estados Unidos declarara la guerra a Japón y se viera metida de lleno en la Segunda Guerra Mundial, y la gente, supongo que por una sensibilidad especial ante la situación, no entendió que Lubistch pudiera reírse de una cosa como los nazis o la guerra. Tampoco ayudó el hecho de que Lubitsch fuera alemán y se incluyeran imágenes del bombardeó de Varsovia, lo que se malinterpretó como un intento de mofa por su parte. Las críticas más feroces vinieron por la frase que pronuncia en el film el coronel nazi Ehrhardt refiriéndose a Joseph Tura: «Oh, sí, recuerdo que le vi una vez en Hamlet. Hizo con Shakespeare lo que nosotros estamos haciendo ahora con Polonia». Incluso amigos de Lubitsch como Billy Wilder y William Wyler le sugirieron retirar esa frase, pero Lubitsch se negó alegando que uno puede reírse de cualquier cosa si lo hace bien.
Sentencia de muerte (2007) Tít. orig.: Death sentence Dir.: James Wan Gui.: Ian Jeffers Int.: Kevin Bacon, Kelly Preston, John Goodman, Garrett Hedlund Dur.: 110 min.
Cuando os hablé de la saga Death Wish me salté esta película básicamente porque no la había visto. Se trata de una nueva versión de la historia, esta vez basada en la novela de Brian GarfieldDeath sentence, de la que yo esperaba que hicieran algo diferente a las películas de Bronson y no más de lo mismo. Hace unas semanas vi que la ponían en televisión y me quedé a verla. No sé cómo explicar esto: esta película es tan buena y tan mala al mismo tiempo que resulta difícil de creer. Alucinante.
En primer lugar, voy a enumerar lo bueno: sale Kevin Bacon. Ya está.
Lo malo: aire de telefilm; guion penoso a ratos y a ratos grandioso (luego lo explico); acción sin sentido y absurda a la par que trepidante, todo hay que decirlo; y lo peor de todo, los 30 últimos minutos más lamentables que recuerdo en una película en mucho tiempo. Y es que este es el peor defecto de esta película, que dura 110 minutos. Si durase 80 y nos ahorrasen esa última media hora la peli es que no sólo sería buena, es que sería cojonuda.
Blanco humano (1993) Tít. orig.: Hard target Dir.: John WooGui.: Chuck Pfarrer Int.: Jean Claude Van Damme, Lance Henriksen, Arnold Vosloo, Yancy Butler Dur.: 92 min.
Aunque pueda sonar raro, la primera película que recuerdo haber visto en el cine es Blanco humano, de Jean Claude Van Damme. Mi madre tenía unos amigos que eran pareja; ella fan de Van Damme y él uno de los primeros adictos al ordenador de finales de los 80, principios de los 90. El caso es que cada vez que se estrenaba una peli de Van Damme ella iba a verla; él, en cambio, se quedaba en casa jugando al Monkey Island o al Indiana Jones and the fate of Atlantis o qué sé yo. Yo, desde luego, no lo recuerdo aquella noche en el cine.
Napoleon Dynamite (2004) Tít. orig.: Napoleon Dynamite Dir.: Jared Hess Gui.: Jared Hess y Jerusha Hess Int.: Jon Heder, Efren Ramírez, Jon Gries, Aaron Ruell, Tina Majorino, Haylie Duff Dur.: 86 min.
Normalmente no comento en el blog películas que no me hayan gustado. Este blog va camino de su tercer año y creo que sólo he hablado en 3 o 4 ocasiones —quizás menos— de películas que no me hayan gustado en absoluto. Simplemente, no le veo sentido. Prefiero hablar de las que me gustan, ya que me lo paso mejor, y pasar completamente de las que no me gustaron, dejarlas que caigan en el olvido.
En esta ocasión haré una excepción ya que Napoleon Dynamite me ha parecido tan jodidamente mala, que merece un ejercicio de labor social por mi parte, advirtiéndoos de la mierda que es esto. NO RECOMENDARÉ NUNCA QUE NO VEÁIS UNA PELÍCULA. Si realmente os apetece verla, hacedlo y sacad vuestras propias conclusiones, pero eso sí, que conste que a mí me parece una mierda.
Historia de Ricky (Riki-Oh) (1991) Tít. orig.: Lik Wong Dir.: Ngai Kai Lam Gui.: Ngai Lam (basado en el manga de Tetsuya Saruwatari y Masahiko Takajo) Int.: Siu-Wong Fan, Mei Sheng Fan, Ka-Kui Ho, Dur.: 91 min.
Historia de Ricky o Riki-Oh, a secas, es una de mis películas favoritas, una película que me parece buenísima, divertidísima, súper entretenida y tremendamente impactante.
Riki-Oh es una mezcla de artes marciales, gore de este que da risa, comedia y efectos especiales a base de plastilina y látex. Está basada en un manga que se publicó entre 1983 y 1990 y, justo al año siguiente, nos llegó la adaptación al cine.
La película está ambientada en el año 2001, en una sociedad en la que las cárceles han sido privatizadas y se producen auténticas salvajadas. Riki ingresa en una de estas cárceles acusado de homicidio y pronto se dedicará a poner orden ante las injusticias que allí se cometen.
El videoclip que he elegido este mes es el grandioso Breaking the law de los Judas Priest, la canción más conocida del British Steel. Este disco marcó un antes y un después en el heavy metal y en la carrera de los Judas ya que es el disco que les dio fama mundial.
British Steel tiene algunas canciones muy buenas como la propia Breaking the law, Rapid fire, Living after midnight o la que para mí destaca por encima de todas, The rage, que tiene una intro de bajo brutal, el mejor riff de todo el álbum y un Halford desatado que demuestra por qué es una de las mejores voces del metal. Sin embargo, British Steel cuenta también con canciones un poco vergonzantes, como la bochornosa Metal Gods, que tiene huevos que una de las peores del álbum se titule así, o la no menos bochornosa United. Es por ello que el British Steel no termina de parecerme un álbum redondo, a pesar de ser un gran disco.
Pero hoy no toca hablar de eso sino del descojonante videoclip de Breaking the law. En primer lugar, la canción me parece un temazo, con otro gran riff, una potente batería y una letra interesante. Y el vídeo, pues también es buenísimo, aunque tiene un toque de comedia/tontuna innegable; eso o iban de droga hasta el culo cuando lo rodaron. Dirigido por Julien Temple, nos muestra a los Judas entrando a robar un banco a punta de guitarra y a Halford rompiendo los barrotes (lo mejor del vídeo) para sacar el disco de oro del British Steel. El guardia de seguridad se ve obligado a actuar sacándose una guitarra de cartón piedra y tocando como un loco. Luego los Judas huyen (¿De quién?) con su disco de oro en el Cadillac. Insuperable.
Una canción que no me canso de escuchar y un vídeo que no me canso de ver. ¡Disfrutadlo!
There I was completely wasting, out of work and down / All inside it's so frustrating as I drift from town to town / Feel as though nobody cares if I live or die / So I might as well begin to put some action in my life
Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law
So much for the golden future, I can't even start / I've had every promise broken, there's anger in my heart / You don't know what it's like, you don't have a clue / If you did you'd find yourselves doing the same thing too
Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law
You don't know what it's like
Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law / Breaking the law, breaking the law
Thriller - A cruel picture (1974) Tít. orig.: Thriller - En grym film Dir.: Bo Arne Vibenius (como Alex Fridolinski) Gui.: Bo Arne Vibenius Int.: Christina Lindberg, Heinz Hopf, Despina Tomazani Dur.: 104 min.
Hace poco os hablaba de la saga Death Wish, cuyas 2 primeras películas pueden englobarse en el género de la justicia vigilante o películas de venganza, pero también pueden ser incluidas dentro de lo que se ha venido a llamar «rape and revenge», o sea, violación y venganza. Las «rape and revenge» son básicamente películas en las que una mujer es violada (hay excepciones) y después, o bien otra persona se venga en nombre de la víctima, como en el caso de Death Wish, o bien es la propia víctima la que se toma la justicia por su mano, como en el caso de Thriller.
Hoy voy a hablar de Charles Bronson, lo cual me imagino que ya ha provocado aplausos y regocijo entre vosotros, estimados a la par que sabios lectores. Como este es con mucha diferencia el tochaco más grande que he escrito nunca, TENÉIS AL FINAL UN RESUMEN PARA VAGOS Y/O GENTE A LA QUE NO LE SOBRA EL TIEMPO.
En 1968 Bronson había participado ya en peliculones como La gran evasión, Doce del patíbulo o Los siete magníficos, pero en Estados Unidos seguía sin ser considerado un actor de primer nivel, así que decidió emigrar a Europa para protagonizar la acojonantisisisisisímamente requetebuena Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West, Sergio Leone). Hasta que llegó su hora le dio una fama tremenda en Europa pero no así en los USA, donde la peli fracasó. Y hete aquí, que ante la coyuntura socioeconómica del momento, Bronson decidió dejarse bigote. Y entonces, llegó la fama.
A continuación voy a enumerar algunas de las más prestigiosas y reputadas películas de la historia y que a mí, como poco, me aburrieron. Sin embargo, antes de que os llevéis las manos a la cabeza ante los títulos que voy a citar, recordad que el cine es algo subjetivo y que el hecho de que a mí no me gustaran no está reñido con que a vosotros, estimados lectores, os parezcan maravillosas. Eso sí, los comentarios están abiertos a insultos o confesiones. Deberías aprovechar la ocasión que os brindo para cargar las tintas contra ese título que os atormenta y que no os atrevéis a vilipendiar por miedo a comentarios del tipo: «¡Pero qué dices, si es una obra maestra! Eso es que no la has entendido»; o por temor a que os señalen con el dedo de esta manera:
Amigos, hoy es el día de limpiar vuestro karma. Me huelo que aquí va a haber hondonadas de hostias.
Tarántula (1955) Tít. orig.: Tarantula Dir.: Jack Arnold Gui.: Robert M. Fresco, Martin Berkeley Int.: John Agar, Mara Corday, Leo G. Carroll, Nestor Paiva, Ross Elliott Dur.: 77 min.
Hoy voy a comentar Tarántula, una película que me gusta mucho y que fue creada a rebufo del éxito de la gran Them!(La humanidad en peligro, 1954), de la que podéis leer una estupenda reseña en el blog de Roy D. Mustang y que originó toda una moda de películas de bichos gigantes.
A raíz de la Segunda Guerra Mundial y de la invención de la bomba atómica, el tema de la energía nuclear y sus efectos pasó a ocupar un lugar privilegiado dentro de la ciencia ficción de la época. Así, fuimos testigos del nacimiento de criaturas como Godzilla o las hormigas gigantes de la comentada Them! Sin embargo, hay un detalle que me gusta mucho de Tarántula, y es que a diferencia de estas y otras copias más que surgieron en los años siguientes, el origen de todo el desastre no es una experimentación atómica (aunque se haga referencia a un isótopo radioactivo), sino las fatales consecuencias de un experimento puramente bienintencionado: la creación de un nutriente que permita un desarrollo mayor y más rápido de animales y vegetales ante la previsible superpoblación mundial. Sí, vale, un experimento «bienintencionado» llevado a cabo por un mad doctor y sus secueces, pero sus intenciones eran buenas. ¿Quién no ha querido comer araña gigante alguna vez?
El Eternauta es una maravillosa historia de ciencia ficción creada por Héctor Germán Oesterheld y dibujada por Francisco Solano López que fue publicada entre 1957 y 1959 en la revista argentina Hora Cero Semanal.
El Eternauta comienza con el propio Oesterheld sentado en su despacho cuando de pronto se materializa frente a él una persona: El Eternauta Juan Salvo. Esto que en principio puede parecer un simple ejercicio de metaficción para dar a la historia un ligero toque de realismo, resultará al final trascendental en el desarrollo de la historia.
La escena de este mes es la fantástica resurrección de Frank en Hellraiser (Clive Barker, 1987).
Hellraiser es una película que me gusta mucho por varios motivos, pero especialmente dos: los efectos especiales a cargo de Bob Keen y su equipo y la música de Christopher Young. A esto hay que sumarle una muy buena historia y unas buenas actuaciones, de las que destacan Clare Higgins, la cachonda de Ashley Laurence y Andrew Robinson, al que recordaréis por su papel de Scorpio en Harry, el sucio (Dirty Harry, 1971).
Hasta que llegó su hora (1968) Tít. orig.: C'era una volta il west Dir.: Sergio Leone Gui.: Sergio Leone, Sergio Donati, Bernardo Bertolucci, Dario Argento Mús.: Ennio Morricone Int.: Claudia Cardinale, Charles Bronson, Henry Fonda, Jason Robards Dur.: 175 min.
Sergio Leone es uno de mis directores favoritos y Hasta que llegó su hora es una de mis películas favoritas, y me gustaría hacer un post que cuando lo leyera alguien que no haya visto la película sintiera al instante un deseo irrefrenable de verla pero, como me conozco y sé que es hablar de esta peli y empezar a flipármelo, pues lo que voy a hacer es un fanpost de quinceañera histérica. ¡OH, DIOS MÍO, ES SERGIO LEONE! ¡HAZME UN PRIMER PLANO!
El bosque del lobo (1970) Dir.: Pedro Olea Gui.: Pedro Olea, Juan Antonio Porto Int.: José Luis López Vázquez, Amparo Soler Leal, Antonio Casas, John Steiner Dur.: 87 min.
El 2 de julio de 1852 es detenido un hombre en Toledo acusado de haber matado a 9 personas. Los que le acusan están convencidos de que es él: Manuel Blanco Romasanta, natural de Allariz, Ourense. Él lo niega y tiene documentos que lo acreditan. El juez de Escalona decide extraditarlo a Galicia para que se aclare si efectivamente es él y en caso de que proceda, que sea juzgado.
Ante el juez de Verín y no pudiendo ocultar más la mentira sobre su identidad, Romasanta afirma haber estado bajo un maleficio, un mal de ojo que le convierte en lobo y que le provoca un deseo irrefrenable de matar y probar la carne humana, y reconoce, no sólo los 9 asesinatos que se le imputan sino otros 4 más, además de asegurar haber devorado a sus víctimas.
